Templo Atenea Niké

COMENTARIOS DE ARTE GRIEGO. TERESA FERNÁNDEZ DIEZ. DEPARTAMENTO DE GEOGRAFÍA E
HISTORIA DEL I.E.S. ALDONZA LORENZO. LA PUEBLA DE ALMORADIEL (TOLEDO). CURSO 2012-2013

TEMPLO ATENEA NIKÉ
Nos encontramos ante un edificio de carácter religioso, concretamente un
templo griego. La arquitectura griega se clasifica según su tipología en:
SANTUARIOS: Poseen una finalidad religiosa y sociocultural. Las principales
edificaciones del clasicismo arquitectónico griego son:
 Construcciones religiosas: templos y altares; la imagen que estamos
comentando se corresponde con esta tipología.
 Construcciones dedicadas a las competiciones atléticas, palestra,
gimnasios.
 Construcciones de finalidad sociocultural. Los teatros.
LOS EDIFICIOS CIVILES
 Las stoas, el ágora, las asambleas, las casas.
Los materiales utilizados en esta obra son la caliza y especialmente el mármol.
En cuanto a los elementos arquitectónicos que se pueden apreciar en esta construcción,
destacan:
La arquitectura arquitrabada y la columna; en ambos casos se trata de los dos elementos que
definen, no solamente esta obra, sino en general toda la arquitectura griega. No se puede
apreciar en la imagen restos de policromía, aunque sabemos que en la Grecia clásica era común
el uso de colores (azul en los triglifos, rojo en las metopas…). Otra característica de esta obra,
como en el conjunto de la arquitectura griega es la búsqueda de la armonía visual; al igual que el
resto de la arquitectura griega presenta elementos de corrección para evitar las deformaciones
ópticas, como son: éntasis en las columnas, las diferentes dimensiones del intercolumnio o la
ligera curvatura del entablamento, entre otros. Esta construcción está hecha a escala humana, al
igual que en muchos otros templos del arte griego. Los órdenes arquitectónicos, forma de
ordenar los elementos en la construcción de un edificio, presentan cuatro partes fundamentales:
el basamento, la columna, el entablamento y la techumbre.
Este templo se corresponde con las CARACTERÍSTICAS DEL ORDEN JÓNICO, estilo que se
caracteriza por:
- Es original de la Jonia.
- Simbología femenina, ornamental y esbelto, con valores simbólicos de influencia egipcia.
- Se caracteriza por:
 Crepidoma: estereóbatos y estilóbato.
 Plinto.
 Columna: Basa: dos toros (convexa) y escocia (cóncava). Columna de fuste con
acanaladuras. Capitel formado por collarino, con dos astrágalos, el equino, con volutas y
ábaco rectangular.
 Entablamento dividido en arquitrabe, con tres bandas, el friso liso y la cornisa.
 El frontón con acróteras.
Siguiendo la diferente nomenclatura de la tipología de la arquitectura religiosa griega, este
templo, jónico, presenta las siguientes características:
Es un templo de orden jónico, tetrástilo (cuatro columnas en los pórticos) y anfipróstilo (con
pórtico con columnas por delante y en la parte opuesta), con columnas de fuste monolítico.
Sus pequeñas dimensiones, 8 metros, obligaron a fundir la naos y la pronaos, cerrándose el
acceso al templo por medio de una verja. Se caracteriza por armonía y belleza.
En cuanto a los ELEMENTOS DECORATIVOS, cabe destacar los relieves del friso y las propias
volutas de los capiteles pueden considerarse como elementos decorativo, además de las ovas y

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el astrágalo. Las acroteras, hoy desaparecidas constituyeron en su momento, parte de estos
elementos.
El templo tenía un simbolismo religioso, ya que, como en este caso, albergaba la estatua de la
divinidad.
Con todo lo dicho anteriormente, podemos hacer la siguiente CLASIFICACIÓN de esta obra:
ESTILO: arquitectura religiosa griega, templo jónico. Cronológicamente se corresponde con el S.
V a.C., etapa clásica. El antecedente del arte griego es: EL ARTE CRETOMICÉNICO. En el segundo
milenio a.C., en el Egeo, se desarrollan dos civilizaciones importantes, la cretense y la micénica,
que van a ser precedente y base cultural de la civilización griega. Se corresponde con la ESCUELA
de Atenas y su AUTOR es Kalícrates, uno de los constructores del Partenón. Sin embargo fue
relegado a un segundo plano no empezándose su construcción hasta veinte años más tarde.
Con todo lo dicho anteriormente, nos encontramos ante EL TEMPLO DE ATENEA NIKÉ, ubicado
en la Acrópolis (Santuario) ateniense.
La construcción de este templo se corresponde con el siguiente CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL:
La Grecia clásica ofrece modelos y formas de su arte y organización política y métodos de
investigación que constituyen la base de toda la cultura occidental. Las bases de la cultura griega
se asientan sobre los siguientes pilares:
- Dimensión humana. Todas las manifestaciones culturales de Grecia están
presididas por una preocupación por el hombre (cultura antropocéntrica, “el hombre es
la medida de todas las cosas” PROTÁGORAS.
- Organización política: la Polis. Frente a los grandes estados orientales, el griego
se organiza en ciudades-estado.
- Ideal político: la democracia. Una serie de hombres públicos relevantes, Solón,
Clístenes, Pericles, se esfuerzan en configurar para Atenas un régimen político basado en
la igualdad y el gobierno del pueblo.
- El pensamiento. Las formas de análisis racional suponen una verdadera
revolución. La filosofía nace en Grecia.
- Religiosidad. Más que de religión, en Grecia debe hablarse de religiosidad, de un
sentimiento de relación con la divinidad que lo impregna todo. La conocemos por mitos y
textos literarios.
- Urbanismo: En la Grecia clásica la configuración política del estado-ciudad
requiere la construcción de recintos urbanos, ya que la simple yuxtaposición de casas sin
un orden deliberado no podría satisfacer las funciones múltiples que se piden a la ciudad.
A diferencia de la cultura egipcia, todos los edificios deben estar proporcionados a la
escala del hombre.

El arte griego, al igual que toda la cultura clásica, influirá en la cultura occidental hasta la
actualidad, dejando su impronta en el Renacimiento y el Neoclasicismo, bebiendo, estos dos
momentos artísticos, de sus raíces.

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EL PARTENÓN
Nos encontramos ante un edificio de carácter religioso,
concretamente un templo griego. La arquitectura griega se
clasifica según su tipología en:
SANTUARIOS: Poseen una finalidad religiosa y sociocultural. Las
principales edificaciones dentro de esta modalidad son:
 Construcciones religiosas: templos y altares; la imagen
que estamos comentando se corresponde con esta
tipología.
 Construcciones dedicadas a las competiciones atléticas, palestra, gimnasios.
 Los materiales utilizados en esta obra son la caliza y especialmente el mármol.
 En cuanto a los elementos arquitectónicos que se pueden apreciar en esta construcción,
destacan:
 La arquitectura arquitrabada y la columna; en ambos casos se trata de los dos elementos
que definen, no solamente esta obra, sino en general toda la arquitectura griega. No se
puede apreciar en la imagen restos de policromía, aunque sabemos que en la Grecia
clásica era común el uso de colores (azul en los triglifos, rojo en las metopas…). Otra
característica de esta obra, como en el conjunto de la arquitectura griega es la búsqueda
de la armonía visual; al igual que el resto de la arquitectura griega presenta elementos de
corrección para evitar las deformaciones ópticas, como son: éntasis en las columnas, las
diferentes dimensiones del intercolumnio o la ligera curvatura del entablamento, entre
otros. Esta construcción está hecha a escala humana, al igual que en muchos otros
templos del arte griego. Los órdenes arquitectónicos, forma de ordenar los elementos en
la construcción de un edificio, presentan cuatro partes fundamentales:
 el basamento, la columna, el entablamento y la techumbre.
Este templo se corresponde con las CARACTERÍSTICAS DEL ORDEN DÓRICO
FUNDAMENTALMENTE, Y EN EL INTERIOR 4 COLUMNAS DE ORDEN JÓNICO:
CARACTERÍSTICAS DEL ORDEN DÓRICO: Es original de la Doria (Grecia continental). Aquí surgen
los primeros modelos arquitectónicos de madera. Se extiende por Grecia y Sicilia. Simbología
masculina, austero y fuerte. Se caracteriza por:
 Crepidoma. Con tres escalones: estereóbatos, los dos primeros y estilóbato, el
superior
 Columna de fuste estriado, con aristas vivas, sin basa.
 Capitel formado por collarino, pieza que lo separa del fuste, equino, moldura de
forma semicircular convexa y ábaco cuadrado, sobre el que descansa el
entablamento.
 Entablamento dividido en arquitrabe, liso, el friso con triglifos que responden a las
cabezas de las vigas transversales en las construcciones en madera y entre ellos las
metopas, y la cornisa.
 El frontón con acroteras.
El PARTENÓN presenta las siguientes características:
Templo dedicado a Atenea Parthenos. Es octástilo, con ocho columnas en cada frente, períptero,
rodeado de columnas en todo su perímetro, y anfipróstilo, con dos pórticos. Su perímetro es

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rectangular y está orientado E-W (el Este se corresponde con la fachada. Se mantiene un canon
de proporcionalidad, basado en el número de columnas y la proporción de las medidas del
rectángulo.
Presenta tres dependencias: pronaos, naos y opistodomos, aunque se aprecian varias
particularidades: la naos está dividida en tres naves, separadas por columnas, de las cuales la
central es más ancha que las otras dos. Su función es doble: por un lado sirvieron para sostener
una techumbre plana, y por otra permite la presencia de tribunas. Anexa a la naos se construyó
una habitación cuadrada, cuya techumbre se sostenía por cuatro columnas; se trataba de la
habitación de las vírgenes vestales, que servía para guardar las donaciones recibidas. En el
centro de la naos se situó en su tiempo la escultura de Athenea, realizada por el escultor Fidias.
Desde el punto de vista arquitectónico se aprecian todas las perfecciones y correcciones ópticas
propias de la arquitectura helenística (se aprecia en el éntasis, en el intercolumnio, en la forma
combada del arquitrabe, etc.; todo ello en busca de la armonía, el equilibrio y la proporción.
En cuanto a los elementos decorativos son de destacar los relieves de Fidias, que además de ser
el artífice de los mismos, se le atribuye la dirección del conjunto de la Acrópolis.
El Partenón presenta un simbolismo religioso, ya que como en este caso albergaba la estatua de
la divinidad, Atenea, hija de Zeus y protectora de Atenas. Por el carácter de esta diosa combativa
y belicista, se erigen los capiteles dóricos, de simbología masculina. Por el contrario, por su
carácter femenino, su delicadeza y su belleza, se colocan también capiteles jónicos.
Esta obra se corresponde con la arquitectura religiosa griega tratándose de un templo dórico. Se
corresponde con la etapa clásica del arte griego, S. V a.C. El antecedente del arte griego es: EL
ARTE CRETOMICÉNICO. En el segundo milenio a.C., en el Egeo, se desarrollan dos civilizaciones
importantes, la cretense y la micénica, que van a ser precedente y base cultural de la civilización
griega. Pertenece a la escuela de Atenas, encontrándose este templo en el santuario de Atenas,
hoy llamado Acrópolis, lugar donde surgió esta polis griega, y en el que Pericles, gobernante
griego del siglo V a.C., mandó edificar un santuario en una zona elevada de la ciudad. La autoría
de esta obre se atribuye a Ictinos y Calícrates. Los relieves son de Fidias.
Como se ha mencionado anteriormente, nos encontramos ante el Partenón.
La construcción de este templo se corresponde con el siguiente CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL:
(igual que la anterior)


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EL ERECTEIÓN

Nos encontramos ante un edificio de carácter religioso,
concretamente un templo griego. La arquitectura griega se
clasifica según su tipología en:
SANTUARIOS: Poseen una finalidad religiosa y sociocultural. Las
principales edificaciones dentro de esta modalidad son:
 Construcciones religiosas: templos y altares; la imagen
que estamos comentando se corresponde con esta
tipología.
LOS EDIFICIOS CIVILES: Las stoas, el ágora, las asambleas, las casas.
destacan:
La arquitectura arquitrabada y la columna; en ambos casos se trata de los dos elementos que
definen, no solamente esta obra, sino en general toda la arquitectura griega. No se puede
apreciar en la imagen restos de policromía, aunque sabemos que en la Grecia clásica era común
el uso de colores (azul en los triglifos, rojo en las metopas…). Otra característica de esta obra,
como en el conjunto de la arquitectura griega es la búsqueda de la armonía visual; al igual que el
resto de la arquitectura griega presenta elementos de corrección para evitar las deformaciones
ópticas, como son: éntasis en las columnas, las diferentes dimensiones del intercolumnio o la
ligera curvatura del entablamento, entre otros. Esta construcción está hecha a escala humana, al
igual que en muchos otros templos del arte griego. Los órdenes arquitectónicos, forma de
ordenar los elementos en la construcción de un edificio, presentan cuatro partes fundamentales:
el basamento, la columna, el entablamento y la techumbre.
Este templo se corresponde con las CARACTERÍSTICAS DEL ORDEN JÓNICO, estilo que se
caracteriza por:
Es original de la Jonia. Simbología femenina, ornamental y esbelto, con valores simbólicos de
influencia egipcia.
- Se caracteriza por:
 Crepidoma: estereóbatos y estilóbato. Plinto.
 Columna: Basa: dos toros (convexa) y escocia (cóncava). Columna de fuste con
acanaladuras. Capitel formado por collarino, con dos astrágalos, el equino, con volutas y
ábaco rectangular.
 Entablamento dividido en arquitrabe, con tres bandas, el friso liso y la cornisa.
 El frontón con acróteras.
Presenta las siguientes características:se asienta sobre la parte más sagrada de la acrópolis,
razón por la cual este edificio se tuvo que adaptar a las irregularidades del terreno.
Presenta dos zonas diferenciadas, que además se dedican a cultos diferentes:
1- La parte oriental, más alta, se dedica a Atenea Poliás, antigua diosa agrícola, mientras
que la zona más alta está dedicada a Poseidón Erecteo.
2- El pórtico Oriental y principal es jónico hexástilo y daba acceso a la cella de Atenea
Poliás, donde originalmente se hallaba la estatua de la diosa hecha en madera de olivo.

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3- En la parte occidental, en la sala dedicada a Poseidón, se abre en sus lados norte y sur
dos pórticos. El Norte resulta el más alto, presentando seis columnas jónicas, colocadas
cuatro de frente y dos en los lados laterales. La sur es la más conocida, “las cariátides, o
estatuas-columnas, con una intención ornamental. Son obra del escultor Alcámenes,
discípulo de Fidias.
En cuanto a los elementos decorativos son de destacar la tribuna de las cariátides, así como los
elementos decorativos de los capiteles, (volutas, ovas, astrágalos…)
El Erecteión presenta un simbolismo religioso, ya que albergaba la estatua de la divinidad.
Esta obra se corresponde con la arquitectura religiosa griega tratándose de un templo dórico. Se
corresponde con la etapa clásica del arte griego, S. V a.C. El antecedente del arte griego es: EL
ARTE CRETOMICÉNICO. En el segundo milenio a.C., en el Egeo, se desarrollan dos civilizaciones
importantes, la cretense y la micénica, que van a ser precedente y base cultural de la civilización
griega. Pertenece a la escuela de Atenas, encontrándose este templo en el santuario de Atenas,
hoy llamado Acrópolis, lugar donde surgió esta polis griega, y en el que Pericles, gobernante
griego del siglo V a.C., mandó edificar un santuario en una zona elevada de la ciudad. En cuanto
a la autoría de esta obra, las fuentes citan a Filocles, Calícrates, Mnesicles como sus posibles
constructores, aunque no se sabe a ciencia cierta. Como se ha mencionado anteriormente, nos
encontramos ante el Erecteión.
CONTEXTO (IGUAL QUE LAS ANTERIORES).


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EL TEATRO DE EPIDAURO
Nos encontramos ante un edificio de carácter civil,
concretamente un teatro, a pesar de que en sus orígines
este tipo de edificaciones tuvieron un carácter
religiosos, debido a que las representaciones que se
llevaban a cabo en el mismo estaban dedicadas a los
dioses. La arquitectura griega se clasifica según su
tipología en:
SANTUARIOS: Poseen una finalidad religiosa y
sociocultural. Las principales edificaciones dentro de
esta modalidad son:
 Construcciones religiosas: templos y altares; la imagen que estamos comentando se
corresponde con esta tipología.
El teatro era un elemento esencial en una ciudad helenística y, de hecho, los grandes teatros en
piedra no empiezan a construirse sino tras el periodo clásico, a partir del siglo IV a.C., rivalizando
las distintas ciudades en su construcción.
Análisis formal. Estructura. Consta de tres partes esenciales:
escena,
orquestra y
graderío o cavea.
La escena, en posición tangente a la orchestra, ejercía, en originalmente, las funciones de
vestuario y almacén. Con el tiempo, la representación de la obra acabó trasladándose a la escena
misma; entonces adquirió protagonismo el proscenio, plataforma elevada, situada entre el
edificio de la escena y la orchestra, donde actuaban los actores y al cual se accedía a través de
dos rampas laterales. En Epidauro (pequeña ciudad griega de la Argólida, península al noroeste
del Peloponeso), sobre la parte anterior del proscenio se apoyaban 18 columnas jónicas y las
superficies interpuestas estaban pintadas. El proscenio tenía dos protuberancias a ambos lados
que servían de sostén para las escenografías laterales.
La orchestra es la parte dedicada al coro; tiene planta circular y en el centro se alza la estatua
dedicada a Dionisos, dios en cuyo honor se celebra la fiesta. En el teatro griego el coro tenía un
papel fundamental de ahí la importancia que se otorga a esta parte.
El graderío o cavea tiene planta ultrasemicircular, rodeando en parte a la orquestra. Para
construirlo, se utilizó un desnivel natural del terreno de 24 metros para edificar una concha de
120 metros de diámetro que se divide en dos zonas.
En total podía albergar hasta 15.000 espectadores que disponían de dos tipos de asientos: los
del pueblo consistente en las propias gradas y los de las personalidades políticas, con respaldo y
brazos.
En Epidauro, la acústica es inmejorable aunque el asiento más alejado del escenario se
encontrara a 70 m.
El teatro griego presenta una serie de diferencias con el teatro romano; las más importantes son
las siguientes:

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- En el teatro griego las gradas descansaban sobre las laderas de las montañas, en el
romano sobre bóvedas de hormigón y de galerías.
- La orchestra en el teatro griego es circular y el coro actuaba en ella, en el romano es
semicircular y en ella actúan los actores y se sentaban algunos personajes importantes.
- En cuanto a la cávea (donde se sentaba el público) en el teatro griego rodeaba más de la
mitad de la orchestra y se accedía a ella por unas escaleras exteriores, en el romano
coincidía con el semicírculo de la orchestra y se accedía por unas escaleras interiores y
por los vomitorios.
- La escena en el teatro griego era una edificación tangente a la orchestra y servía como
telón de fondo; en el teatro romano era una edificación mucho más alta y coincidía con
el diámetro del semicírculo de la orchestra.
Los elementos decorativos son escasos, aunque se puede incluir en este apartado algunas
esculturas, los elementos decorativos de las columnas, etc.
En cuanto al simbolismo de este tipo de edificaciones, cabe decir que en los teatros se
celebraban representaciones que eran un homenaje religioso en honor del dios del vino y de la
inspiración, Dionisio. Como se ha dicho anteriormente, el teatro griego tuvo un origen religioso,
que parte de las fiestas celebradas en honor de Dionisos, dios del vino. Incluso la forma circular
de la orchestra, la parte más importante durante largo tiempo, estuvo condicionada por el ritual
de ofrenda al dios que se realizaba alrededor de su altar central. En las primeras obras
dramáticas, la acción se desarrollaba en la orchestra, explicada por el coro y escenificada por los
actores desde una perspectiva muy secundaria. Sin embargo, a medida que los actores fueron
adquiriendo protagonismo reclamaron un enclave más elevado, el proscenio en la escena. Su
importancia creció en detrimento de la orchestra que, con el tiempo, acabaría por desaparecer.
Concluyendo, esta obra, el Teatro de Epidauro se trata de un edificio que se corresponde con
la arquitectura sociocultural griega. Fue construida en el S. IV a.C., etapa postclásica y se
corresponde con la escuela Ateniense. Las fuentes citan como autor a Policleto el Joven.
Se corresponde con el siguiente CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL: (igual que en los comentarios
anteriores).


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EL ALTAR DE PÉRGAMO
Nos encontramos ante un edificio de carácter
religioso, concretamente un templo griego. La
arquitectura griega se clasifica según su tipología
en:
SANTUARIOS: Poseen una finalidad religiosa y
sociocultural. Las principales edificaciones dentro
de esta modalidad son:
 Construcciones religiosas: templos y altares;
la imagen que estamos comentando se
corresponde con esta tipología.
 Construcciones dedicadas a las competiciones
atléticas, palestra, gimnasios.
 Construcciones de finalidad sociocultural. Los
teatros.
destacan:
 La arquitectura arquitrabada y la columna; en ambos casos se trata de los dos elementos
que definen, no solamente esta obra, sino en general toda la arquitectura griega. No se
puede apreciar en la imagen restos de policromía, aunque sabemos que en la Grecia
clásica era común el uso de colores (azul en los triglifos, rojo en las metopas…). Otra
característica de esta obra, como en el conjunto de la arquitectura griega es la búsqueda
de la armonía visual; al igual que el resto de la arquitectura griega presenta elementos de
corrección para evitar las deformaciones ópticas, como son: éntasis en las columnas, las
diferentes dimensiones del intercolumnio o la ligera curvatura del entablamento, entre
otros. Esta construcción está hecha a escala humana, al igual que en muchos otros
templos del arte griego. Los órdenes arquitectónicos, forma de ordenar los elementos en
la construcción de un edificio, presentan cuatro partes fundamentales: el basamento, la
columna, el entablamento y la techumbre.
Esta construcción presenta características del orden jónico, que es original de la Jonia. Se
caracteriza por presentar una simbología femenina, ornamental y esbelto, con valores
simbólicos de influencia egipcia. La columna del orden jónico presenta las siguientes partes:
 Basa: dos toros (convexa) y escocia (cóncava).
 Columna de fuste con acanaladuras.
 Capitel formado por collarino, con dos astrágalos, el equino, con volutas y ábaco
rectangular.
El altar de Zeus en la ciudad de Pérgamo (Asia Menor) fue un edificio grandioso mandado
construir por Eumenes II Sóter en el siglo II a.C. entre los años 164 a.C. y 156 a.C. Fue
descubierto por el ingeniero alemán Carl Humann en 1871.
En la época clásica se levantaban templos dedicados a los grandes dioses o a los dioses locales
de cada ciudad y delante de ellos se colocaban los altares para los sacrificios; los altares eran
construcciones de poca importancia.
Es una construcción hípetra, colosal, alzada sobre una escalinata; estaba construida hacia el sur
de la acrópolis de la ciudad. El gran friso de las esculturas no formaba parte del entablamento

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sino del podium del templo. En la parte superior se encontraba una columnata de orden jónico,
dividida en tres cuerpos, uno central al fondo y dos laterales. La columnata central daba su
espalda a un patio cuadrangular que era el espacio del altar para ofrendas donde se quemaba
incienso y se hacían libaciones en honor de los dioses. Los animales eran sacrificados delante de
la escalera y los pedazos reservados a los dioses se quemaban después en el altar.
Sobre el entablamento de las columnas se colocaron una serie de acróteras que representaban
dioses, centauros, grifos y caballos.
Presenta un pódium decorado con relieves, que estaba rematado por una cornisa muy
sobresaliente, con dentículo (adorno de paralelepípedo que se colocaba en la parte superior de
un friso de orden jónico).
Al igual que el resto de la arquitectura griega presenta elementos de corrección para evitar las
deformaciones ópticas, como son: el éntasis de las columnas, las diferentes dimensiones del
intercolumnio o la ligera curvatura del entablamento, entre otros.
En cuanto a los elementos decorativos, cabe destacar los relieves que recorren todo su
perímetro.
En cuanto a la clasificación, se trata, como se ha mencionado anteriormente de un modelo de
arquitectura religiosa, altar, correspondiente al S. II a.C., etapa helenística. Esta etapa se
caracteriza por el exceso decorativo, la grandiosidad, que se aleja de los cánones clásicos y la
exageración.
Se desconoce su autor y, como se ha indicado anteriormente se trata del Altar de Pérgamo.
Esta obra se corresponde con el siguiente CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL: (igual que en los
comentarios anteriores)


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LA DAMA DE AUXERRE
Nos encontramos ante una imagen votiva en bulto redondo o exenta, en
actitud de pie, en posición estática, sin movimiento.
Esta obra está elaborada en piedra caliza blanca. Las primeras esculturas
griegas se realizaron en madera (tronco de los árboles); ya en la etapa
arcaica, a la que pertenece esta obra, se empieza a utilizar la piedra, primero
caliza y después mármol.
La escultura griega, a la que pertenece esta obra, en sus primeras etapas así
como en la fase clásica, es naturalista aunque tendente a la idealización. En
las primeras fases de la estatuaria griega predomina este carácter idealista
reforzado por la tendencia al hieratismo. En las imágenes votivas, la propia
disposición de la figura, carente totalmente de movimiento, con una mano
sobre el pecho remarca este carácter idealista.
Se trata de una composición de bloque, cerrada, simétrica, sin movimiento.
Presenta una actitud hierática, y responde a la ley de la frontalidad heredada
de la escultura egipcia.

A pesar de que una de las características de la escultura griega es que se trata de un arte de
volúmenes que requiere diferentes puntos de vista para ser contemplado, en estas primeras
etapas, aún no se percibe con claridad este particularismo. Sin embargo, y a diferencia del arte
oriental, especialmente el egipcio, la escultura se trabaja enteramente para ser observada desde
cualquier punto de vista, aunque siga primando la ley de la frontalidad.
Se distinguen dos partes en cuanto a factura; la parte inferior presenta una técnica más rústica y
la superior más detallista. La imagen está vestida con el peplo (paño de lana decorado con
cenefas incisas) y un ancho cinturón. Unos levísimos restos de policromía hacen pensar que esta
escultura estuvo policromada.
El pelo está trabajado con detenimiento, presentando una clara influencia egipcia. El rostro
tiende a la idealización, con falta de expresión.
Es típica de estas estatuillas la denominada “sonrisa arcaica” o “sonrisa eginética”, así la
desproporción de las diferentes partes del cuerpo, que se aprecian especialmente en las manos
y los pies. El faldillín que cubre de la cintura a los pies, presenta una sencilla decoración
geométrica de líneas rectas horizontales y verticales, que contrasta con las líneas curvas de la
parte superior (cabello, senos y brazos).
Como se ha dicho anteriormente, se trata de una imagen votiva, quizás una sacerdotisa, a juzgar
por la posición de su mano derecha en actitud de exvoto, y el brazo izquierdo pegado a lo largo
del cuerpo. Fue hallada en 1907 por un empleado del Museo del Louvre en un pequeño museo
de la ciudad de Auxerre, desconociéndose cómo había llegado a ese lugar.
Con lo dicho anteriormente sobre el análisis de esta obra, se puede determinar la siguiente
CLASIFICACIÓN:
- Escultura griega. La escultura griega presenta las siguientes características:
- El hombre será el centro de la escultura griega, antropocentrismo.
- Belleza, perfección formal (basada en la proporción de las diferentes partes del
cuerpo/canon, expresión del mundo del espíritu y movimiento definen los rasgos
capitales de la escultura griega.
- Preferencia por el desnudo.

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- Los griegos aportan el principio esencial de que la escultura es un arte de volúmenes que
requiere diferentes puntos de vista para ser contemplado.
- Materiales utilizados: Al principio en madera; luego sustituida por la piedra (mármol
principalmente); también es muy utilizado el bronce (a la cera perdida);
excepcionalmente crisoelefantinas (de marfil, oro y plata).
- Las esculturas generalmente estaban policromadas, salvo las obras realizadas en bronce.
PERIODO: Etapa arcaica (anterior al s.V a.C.). Las características de este periodo son: Predominan
las esculturas de cuerpo entero, actitud hierática, ley de la frontalidad, modelado sencillo y de
fuerte geometrización; estatismo, ojos almendrados, la sonrisa arcaica, expresión facial
mediante un gesto forzado, largas cabelleras de elementos geométricos, etc. Encontramos
esculturas anteriores al período arcaico, muy simples: Pequeños exvotos y xoanas (esculturas
talladas sobre el propio tronco del árbol). La Dama de Auxerre. Ya en época arcaica encontramos
las primeras esculturas de gran formato realizadas en piedra, fundamentalmente dos tipos muy
característicos: Los kouroi, figuras de atletas desnudos; y las korai, figuras oferentes de mujeres
vestidas. La transición con la etapa clásica está representada, entre otras, por dos obras: “El
Poseidón” y “El Auriga de Delphos”.
De autor desconocido esta se la conoce con el nombre de “La Dama de Auxerre”.
Se corresponde con el siguiente CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL: (igual que en los comentarios
anteriores).


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EL AURIGA DE DELPHOS
Estamos ante una escultura que pertenece a un conjunto escultórico más
completo que no se ha conservado. De difícil clasificación, podría
encuadrarse, teniendo en cuenta la temática, dentro de la tipología de
conmemorativa, ya que fue encargada por el tirano Polyzalos de Gela para
conmemorar su victoria en una carrera de cuadrigas en Delfos. El carro y
el propio tirano se perdieron; sólo subsiste la imagen del cochero.
Esta escultura está elaborada en bulto redondo (se aplica a la escultura
que puede contemplarse desde cualquier punto de vista a su alrededor; es
sinónimo de exenta), en actitud de pie, en posición estática, sin apenas
movimiento.
Está elaborada en bronce. La escultura fue fundida en hueco, en piezas
separadas y soldadas posteriormente. Cabe destacar la riqueza de los
materiales empleados en la ornamentación de la figura. Los ojos eran de
cristal, y los labios estaban recubiertos por láminas de plata. Las primeras
esculturas griegas se realizaron en madera (tronco de los árboles); ya en la
etapa arcaica, a la que pertenece esta obra, se empieza a utilizar la piedra,
primero caliza y después mármol, utilizándose también materiales
denominados crisolelefantinos (marfil, oro, plata…).
La escultura griega en sus primeras etapas, así como en la fase clásica, es naturalista aunque
tendente a la idealización. En las primeras fases de la estatuaria griega predomina este carácter
idealista reforzado por la tendencia al hieratismo. Sorprende la propia disposición de la figura,
carente prácticamente de movimiento; salvo el brazo derecho elevado debido a que está
sujetando las riendas de los caballos, el resto de la imagen se muestra inmutable.
Se trata de una composición de bloque, cerrada, simétrica, sin movimiento. Presenta una actitud
hierática, y responde a la ley de la frontalidad heredada de la cultura egipcia. Sin embargo, si la
comparamos con la estatuaria anterior de la época arcaica, se aprecia un avance hacia
tendencias posteriores, donde aparece el movimiento, propio de las etapas clásicas, posclásicas
y helenística. Así desde el punto de vista compositivo, el auriga sostiene las riendas con una
mano y gira la cabeza hacia el lado contrario, buscando una compensación compositiva. Se
mantiene así una cierta rigidez en el conjunto, si bien la cabeza mínimamente ladeada, y sobre
todo el brazo proyectado hacia adelante, rompen la simetría tradicional.
En cuanto a la perspectiva, cabe decir que, a pesar de que una de las características de la
escultura griega es que se trata de un arte de volúmenes que requiere diferentes puntos de vista
para ser contemplado, en estas primeras etapas, aún no se percibe con claridad este
particularismo. Sin embargo, y a diferencia del arte oriental, especialmente el egipcio, la
escultura se trabaja enteramente para ser observada desde cualquier punto de vista, aunque
siga primando la ley de la frontalidad.
Desde el punto de vista escultórico presenta dos partes bien diferenciadas: la mitad superior
está mejor trabajada con pliegues aún muy geométricos, pero ya indican cierto movimiento,
alternando las líneas verticales y horizontales.
La mitad inferior está trabajada con menos detalle; se supone que al no apreciarse por estar
tapada por el carro no se le dedicó más trabajo.
El cabello se trabaja con naturalismo, con un peinado que se ajusta a la forma esférica y sencilla
del cráneo, y una diadema que realza la belleza del rostro.

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En el análisis de una obra de arte, la lectura iconográfica es muy importante, pues se trata de
identificar el tema, los personajes, los atributos que les acompañan y los significados que
encierran. Como se ha mencionado anteriormente se trata del único elemento que prevalece de
un monumento encargado por el tirano Polyzalos de Gela para conmemorar su victoria en una
carrera de cuadrigas en Delfos. El carro y el propio tirano se perdieron; sólo subsiste la imagen
del cochero.
Con lo dicho anteriormente se concluye este comentario indicando que se trata de una escultura
griega, cuyas características generales de esta disciplina artística correspondiente al arte
helenístico son:
El hombre será el centro de la escultura griega, antropocentrismo. Belleza, perfección formal
(basada en la proporción de las diferentes partes del cuerpo/canon, expresión del mundo del
espíritu y movimiento definen los rasgos capitales de la escultura griega. Preferencia por el
desnudo. Los griegos aportan el principio esencial de que la escultura es un arte de volúmenes
que requiere diferentes puntos de vista para ser contemplado. Materiales utilizados: Al principio
en madera; luego sustituida por la piedra (mármol principalmente); también es muy utilizado el
bronce (a la cera perdida); excepcionalmente crisoelefantinas (de marfil, oro y plata). Las
esculturas generalmente estaban policromadas, salvo las obras realizadas en bronce.
Esta obra se corresponde con la etapa arcaica (anterior al S. V a.C.). Las características de este
periodo son: Predominan la esculturas de cuerpo entero, actitud hierática, ley de la frontalidad,
modelado sencillo y de fuerte geometrización; estatismo, ojos almendrados, la sonrisa arcaica,
expresión facial mediante un gesto forzado, largas cabelleras de elementos geométricos, etc.
Encontramos esculturas anteriores al período arcaico, muy simples: Pequeños exvotos y xoanas
(esculturas talladas sobre el propio tronco del árbol), como la Dama de Auxerre. Ya en época
arcaica encontramos las primeras esculturas de gran formato realizadas en piedra,
fundamentalmente dos tipos muy característicos: Los kouroi, figuras de atletas desnudos; y las
korai, figuras oferentes de mujeres vestidas. La transición con la etapa clásica está representada,
entre otras, por dos obras: “El Poseidón” y “El Auriga de Delphos”.
El autor de esta obra es desconocido, aunque algunos historiadores atribuyen esta obra a
Pitágoras de Regio. Como se ha dicho anteriormente se trata del “Auriga de Delphos”.
CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL: (igual que en las anteriores)


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EL DISCÓBOLO

Nos encontramos ante una obra escultórica de difícil clasificación que podría encuadrarse dentro
del género del retrato de atletas griegos.
Esta escultura está elaborada en bulto redondo o exenta, de pie, en acusado escorzo. Está
elaborada en mármol, aunque su original era de bronce. Se trata de una copia romana que en
sus tiempos policromada. Las primeras esculturas griegas se realizaron en madera (tronco de los
árboles); ya en la etapa arcaica, se empieza a utilizar la piedra, primero caliza y después mármol,
utilizándose también materiales denominados crisoelefantinos (marfil, oro, plata…).
idealista reforzado por la tendencia al hieratismo. Sorprende la expresión de su rostro, que no se
corresponde con el momento de tensión que requiere semejante esfuerzo.
Mirón dotó a esta figura de gran dinamismo, recreando el momento previo al enderezamiento
del cuerpo del atleta para lanzar el disco, en el que el atleta sitúa el disco hacia atrás para luego
lanzarlo.
El objetivo de Mirón consistió en transmitir la impresión de movimiento de la figura; el artista
realizó un gran esfuerzo por perder el hieratismo de la época arcaica y pasó a ser el escultor del
movimiento.
Se aprecia una cierta tensión entre las diferentes formas geométricas del cuerpo. El Discóbolo
posee una composición basada en triángulos y curvas. La cabeza, la cadera y los pies forman una
media circunferencia opuesta a otra semicircunferencia compuesta por los dos brazos
extendidos. También se aprecia una línea en zig-zag que desciende desde el brazo derecho hasta
el hombro, del hombro a la cintura, de la cintura a la rodilla derecha, y de ésta al pie izquierdo.
Mirón consiguió representar el cuerpo humano en todo su dinamismo presentando sus rasgos
más característicos según el modelo de los antiguos egipcios.
Una de las características de la escultura griega es que se trata de un arte de volúmenes que
requiere diferentes puntos de vista para ser contemplado. A diferencia del arte oriental,

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especialmente el egipcio, la escultura se trabaja enteramente para ser observada desde
cualquier punto de vista.
El mérito del artista reside en haber escogido el momento preciso al lanzamiento del disco.
Como la figura fue hecha con la finalidad de representar el movimiento, no nos muestra la
técnica real utilizada por los lanzadores de la época.
El Discóbolo supuso un gran avance en el movimiento por parte de la escultura. Muestra algunas
características del periodo arcaico: la cabeza posee algo de la inmovilidad del estilo anterior, la
sonrisa se asemeja a la peculiar "sonrisa arcaica" y los cabellos poseen algunos rizos uniformes.
Desde el punto de vista iconográfico, esta obra representa al héroe Hyakinthos, que murió
cuando arrojaba el disco, si bien podemos encontrar en esta pieza una de las primeras obras que
presenta al hombre en su perfección absoluta, como ideal simbólico en sí mismo y no como
representación de exvotos o divinidades.
Esta obra se corresponde con el género de escultura griega. La escultura griega presenta las
siguientes características:
- Antropocentrismo.
cuerpo/canon, expresión del mundo del espíritu.
Pertenece a la etapa clásica (S. V a.C.), de la escuela de Atenas. Este periodo presenta las
siguientes características: El objetivo estético es plasmar la belleza ideal. Aunque es un arte
naturalista se tiende a la idealización. El verdadero protagonista es el cuerpo masculino
desnudo, consiguiéndose en su realización un dominio total de la anatomía. Los temas más
representados pertenecen al mundo mítico de los dioses y héroes, que son tratados con gran
seriedad. Se pierde definitivamente el hieratismo, lográndose la movilidad de las figuras y
captando gestos y actitudes. Se abandona la frontalidad, las esculturas tienen varios puntos de
vista. PRINCIPALES ESCULTORES: Mirón, Policleto y Fidias.
El autor, como se ha mencionado anteriormente es Mirón. Broncista, aunque las obras que se
conservan son copias romanas en mármol. Nació en Beocia, pero desarrolló su actividad, entre el
470 y el 440 a.C. aproximadamente, en Atenas, donde obtuvo la ciudadanía. Las fuentes
literarias le atribuyen numerosos obras, en particular estatuas de atletas y héroes. Sin embargo,
sólo se le han podido asignar con certeza tres, conocidas por copias romanas: el Discóbolo, el
grupo de Atenea y Marsias y el Anadumenos.
Su título es “El Discóbolo”.

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EL DORÍFORO

Nos encontramos ante una obra escultórica de temática mitológica, en bulto redondo o exenta
y en actitud de pie, en ligero contraposto. Representa a un joven desnudo, de pie, con la lanza
en el hombro izquierdo y en actitud de marcha.
Está trabajada en mármol, aunque originariamente era de bronce. Se trata de una copia romana
en mármol que en sus tiempos estaba policromada. Las primeras esculturas griegas se realizaron
en madera (tronco de los árboles); ya en la etapa arcaica se empieza a utilizar la piedra, primero
caliza y después mármol, utilizándose también materiales denominados crisolelefantinos (marfil,
oro, plata…).
Se aprecia un perfecto estudio anatómico, donde se subraya con todo énfasis ese ideal de
belleza basado en el cuerpo humano perfecto y armónico, en este caso basado en un canon de
proporcionalidad de siete veces el tamaño de la cabeza. La perfección llega a tal punto que se
pueden establecer criterios geométricos en la solución de algunas partes del cuerpo: las curvas
del pliegue inguinal y del arco torácico son segmentos de circunferencia cuyos centros coinciden
en el ombligo. Pero como en toda obra, se busca la belleza ideal a través de las proporciones
(Policleto fue el primero en incluir el canon de 7 cabezas). Es la expresión del canon de siete
cabezas de Policleto, ideal de belleza masculina.
Destaca en su composición el perfecto equilibrio que consigue el contraposto (término italiano
que expresa la oposición armónica de las diversas partes del cuerpo humano, especialmente
cuando algunas de ellas se hallan en movimiento o tensión y sus simétricas en reposo.) Es una
composición equilibrada.
Escultura en la que destaca un perfecto estudio anatómico, se parecía un fuerte contras de luz y
sombra.

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Desde el punto de vista iconográfico, esta obra se representa a un joven lancero, tal vez Aquiles,
que no obstante se convierte en una idealización del cuerpo humano.
Esta obra se corresponde con el género de escultura griega, estilo que presenta las siguientes
características:
- Antropocentrismo.
cuerpo/canon, expresión del mundo del espíritu y movimiento.
- Preferencia por el desnudo
El autor es Policleto, alumno de Agéladas, se le considera el inventor del contraposto en
escultura. Su producción es en bronce y el tema más frecuente el de jóvenes atletas. De entre
sus obras destaca ésta, el Doriforo, que conocemos a través de copias romanas en mármol y que
destaca por su equilibrada composición y las proporciones reguladas por un canon que él mismo
estableció (el dedo índice). Armonía, simetría y ritmo también aparecen en su obra Diadúmeno,
conocida por una copia helenística que se conserva en el Museo Nacional de Atenas. Destacó
también como un gran teórico con su tratado Canon, en el que explica que la belleza humana
está en la proporción, la medida y el número.

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FRISO DE LAS PANATENEAS

Nos encontramos ante una obra escultórica de temática religiosa, elaborada en relieve (bajo
relieve), y en actitud de pie, procesional.
Está trabajada en mármol. Las primeras esculturas griegas se realizaron en madera (tronco de
los árboles); ya en la etapa arcaica, a la que pertenece esta obra, se empieza a utilizar la piedra,
primero caliza y después mármol, utilizándose también materiales denominados
crisolelefantinos (marfil, oro, plata…).
tendente a la idealización. Esta obra se caracteriza por el rigor extremo en el tratamiento
psicológico de los personajes que se aleja de la inexpresividad, para intensificar el más sutil
equilibrio espiritual.
Este friso se caracteriza por la exquisita armonía de las figuras, sus composiciones equilibradas,
el tratamiento de los cuerpos de cánones proporcionados y delicada anatomía, las formas
elegantes, y un rigor extremo en el tratamiento psicológico de los personajes que se aleja de la
inexpresividad, para intensificar el más sutil equilibrio espiritual.
requiere diferentes puntos de vista para ser contemplado. Al tratarse de relieve la perspectiva se
alcanza combinando el alto, medio y bajo relieve. Aunque en este caso predomine el bajo
relieve, hay partes del friso en los que el artista capta la profundidad al aumentar el volumen de
las figuras.
La perfecta plástica de las obras de Fidias queda patente en el tratamiento especial que realiza
de sus paños, elemento que utiliza con todo su caudal expresivo, dando principio a la técnica de
los “paños mojados”, con los cuales acentúa el juego de la luz, dinamiza las figura y acentúa la
sutilidad de las mismas, gracias a la sensualidad que de ellos se desprende.
El friso del Partenón, de 160 metros de largo y un metro de alto, se representa la procesión en
honor de la diosa Atenea. El curso de las figuras está unificado pero es diverso: a veces la
procesión es densa y las figuras avanzan rápidamente y en otras ocasiones avanzan a un ritmo
muy tranquilo. Las doncellas que portan el peplo abren la procesión, también asisten a la misma,
jinetes muchachos con los animales del sacrificio y personajes de la vida ateniense. También
aparecen 12 divinidades en actitud sedente e informal, que siguen la dirección de la comitiva.
características:
- Antropocentrismo.

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El autor de esta obra, EL DESFILE DE LAS PANATENEAS, es Fidias, tal vez el más extraordinario de
los escultores clásicos. Era ateniense y su trabajo se desarrolló hacia mediados del siglo V a. C. Su
estrecha vinculación a Pericles en el momento de mayor esplendor de la historia de Atenas le
convirtió en el principal coordinador del Partenón, donde se concentran sus mayores logros
artísticos, hasta tal punto que cuando Pericles caiga en desgracia, Fidias también sufrirá sus
consecuencias.
En el Partenón, además de la obra de Athenea, dirige también la decoración del friso, las
metopas y los frontones del templo, si bien la mayoría de estas obras salen de las manos de los
discípulos de su taller.
Las 92 metopas decoradas reparten del siguiente modo su temática:
- En la parte Oriental, la Gigantomaquia.
- En la Occidental, la Amazonamaquia.
- En la Norte, la Guerra de Troya.
- En la Sur, la Centauromaquia.
Los frontones representan en la parte oriental el nacimiento de Athenea, que aparece recién
nacida frente a su padre Zeus; y en el Occidental o posterior, la disputa de Athenea con
Poseidón, para lograr el dominio del Ática.
Como se ha dejado indicado anteriormente, en los frisos, a lo largo de todo su perímetro, se
representa la procesión de las fiestas Panatheneas, cuando toda la ciudad desfilaba en pos de las
doncellas que llevaban al templo un peplo tejido por ellas mismas.
CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL: (igual que en las anteriores).

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HERMES Y DIONISOS NIÑO

Nos encontramos ante una obra escultórica de temática mitológica, en bulto redondo o exenta
y en actitud de pie, en ligero escorzo (curva parxiteliana).
Está elaborada en mármol; las primeras esculturas griegas se realizaron en madera (tronco de
los árboles). Su textura es magnífica, con un grado de pulimentado y difuminado, que no se
encuentran en las copias posteriores.
idealista reforzado por la tendencia al hieratismo. En esta obra, al corresponderse con la etapa
posclásica, se aprecia un cambio con respecto a la etapa clásica (búsqueda de la belleza y
perfección siempre de manera ordenada y dentro de una nomas o cánones, tratándose de una
belleza fría e inexpresiva); en la etapa posclásica se busca la belleza y la perfección a través de lo
diverso y expresivo en lugar de lo impersonal. Presenta una tendencia al naturalismo, como
puede observarse en el tratamiento de los detalles, en el rostro o en el cabello. Sin embargo, la
expresión mantiene cierta sensación de lejanía que contrasta con la actitud espontánea del niño.
Desde el punto de vista compositivo destaca el contrabalanceo acusado de su contraposto, hasta
adquirir trazos curvilíneos o en forma de “S”, acentuando la sensación de dinamismo (curva
praxiteliana).
Como en el resto de sus obras, mantiene un brazo levantado en ángulo, que nunca corta la
silueta frontal de la estatua.
Caben destacar otras características tales como: Estilización y refinamiento de la figura, ruptura
con la simetría clásica, alargamiento del canon, humanización de los gestos.
Desde el punto de vista iconográfico, esta obra representa a Hermes en el acto de transportar a
Dionysos niño, desde el Olimpo hasta la mansión de las ninfas, encargadas de su crianza. El dios
mensajero hace un alto en la ruta y ofrece al niño sediento un racimo de uvas. El conjunto
escultórico se caracteriza por su humanidad.
características:
- Antropocentrismo.

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Se corresponde con la etapa posclásica (S. IV a.C.), y pertenece a la escuela de Atenas. Este
periodo presenta las siguientes características: Estilización del canon (imágenes más alargadas).
Barroquización en las formas (exageración). Plasmación del sentimiento humano. Se acentúa el
movimiento físico y psíquico (ethos y pathos/teoría socrática). Se pierde el equilibrio, la armonía
y la proporción de la etapa anterior (no hay divinización del hombre). Aparecen otros temas
humanos (el tiempo, la mujer, la muerte y la sensualidad, que desplaza a la belleza).
PRINCIPALES ESCULTORES: Scopas, Praxíteles y Lisipo.
El autor es Praxíteles. De la vida de Praxíteles, autor de esta obra, poco se sabe. Nace en Atenas
hacia el año 400 a.C. Sus obras están realizadas en bronce y sobre todo en mármol.
Una de sus obras más conocidas es la que se representa en la imagen, Hermes con el niño
Dionysos, siendo una de las escasas obras de la antigüedad helenística, original, que ha llegado
hasta nosotros. Aunque hay historiadores del arte que dudan de su autoría. Sin embargo la
utilización de la famosa “curva praxiteliana”, contraposto, parece que deje pocas dudas sobre la
misma.
Como se ha dicho anteriormente, se trata de Hermes con Dionisos niño.

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MÉNADE DANZANTE

1- ANÁLISIS DE LA OBRA
Nos encontramos ante una obra escultórica de temática religiosa, elaborada en bulto redondo
(se aplica a la escultura que puede contemplarse desde cualquier punto de vista a su alrededor.
Es sinónimo de exenta). En actitud de pie, presenta un acusado escorzo. Está elaborada en
mármol.
idealista reforzado por la tendencia al hieratismo. En la etapa posclásica, se aprecia un cambio
con respecto a la etapa clásica; se busca la belleza y la perfección a través de lo diverso y
expresivo en lugar de lo impersonal. Scopas capta a sus figuras con una marcada expresión de
melancolía y sufrimiento interno, superando el idealismo de las etapas anteriores.
Desde el punto de vista plástico, destaca la sorprendente composición del cuerpo, muy
contorsionada. Con esta obra asistimos a la evolución de la estatuaria hacia una mayor
expresividad y originalidad compositiva, observándose una gran diferencia con la etapa del pleno
clasicismo, no solo en la composición y el movimiento, sino también por la aparición de una
nueva concepción expresiva; ese “pathos”, tan característico de su autor, que exalta el
sentimiento, y abandona el idealismo clásico.
La sensación trémula en la muchacha se acentúa gracias al trabajo muy profundo en los paños
que crea violentos contrastes de luz y sombra, así como en el vigor de los movimientos, de un
efectismo en general muy expresionista.
La “Ménade furiosa” representa a una mujer adepta a los ritos dionisíacos, “bacantes”,
arrebatada por la ebriedad y la danza. La temática de la obra contribuye a romper el concepto
clásico de perfecta armonía. Aparece semidesnuda y enloquecida por el vino y el baile, en una
especie de frenesí que la contorsiona.

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características:
- Antropocentrismo.
El autor de esta obra, Ménade furiosa, como se ha dicho anteriormente es Scopas. Nace en la
isla de Paros hacia el año 380 a.C. El material preferido con el que trabaja es el mármol. Una de
sus mejores obras es la decoración del Mausoleo de Halicarnaso. Es un escultor que, pese a que
continúa con la tradición del siglo V antes de Cristo en cuanto a las proporciones de los cuerpos,
se muestra preocupado por la representación de los estados del alma relacionados con la
pasión, la violencia, el sufrimiento y el patetismo, tratando de representar el interior
atormentado del personaje. Scopas es uno de los últimos escultores que podemos encuadrar en
la escuela ática, ya que en el siglo IV antes de Cristo, Atenas había perdido su hegemonía
política, aunque conservaba la cultural.

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EL LAOCONTE

Nos encontramos ante una obra de temática mitológica. Se trata de un conjunto escultórico
elaborado en bulto redondo (se aplica a la escultura que puede contemplarse desde cualquier
punto de vista a su alrededor. Es sinónimo de exenta). En actitud sedente, presenta un acusado
escorzo. Está elaborada con mármol.
expresivo en lugar de lo impersonal. En la etapa helenística, momento al que pertenece esta
obra, la escultura es realista con el tratamiento de temas que no se habían trabajado hasta este
momento como: la fealdad, la violencia, el erotismo, la infancia o el exotismo.
Desde el punto de vista plástico, destaca la sorprendente composición del cuerpo, muy
contorsionada. Con esta obra asistimos a la evolución de la estatuaria hacia una mayor
expresividad y originalidad compositiva, observándose una gran diferencia con las etapas
anteriores en cuanto a la composición y el movimiento. De hecho la composición, abierta, es
quizá el aspecto más importante de la obra: los tres personajes están perfectamente
interrelacionados y entrelazados por la línea sinuosa y trepidante de la serpiente, creando a su
vez una composición centrípeta.
Se produce una acentuación de la fuerza expresiva al irrumpir la luz y la tensión de los cuerpos
del centro hacia fuera. Esta sensación se acentúa con la disposición en diagonal de todo el
conjunto.
La obra es de una gran espectacularidad dramática, con una sobrecogedora expresión del dolor,
las figuras presentan posturas retorcidas hasta el paroxismo, la tremenda fuerza expresiva de
unos tratamientos anatómicos explosivos por su vigor, y el efectismo gestual del propio
Laoconte. Contrasta el rostro de Laoconte, de inmenso dolor, con el tratamiento aún clásico de
los de sus hijos, tratados con mayor idealismo y refinamiento.

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La impresionante musculatura, desaforada en el caso de Laoconte, y su rostro, el efectismo
barroco de la expresión de dolor con sus agudos contrastes de luz y sombra en pelo, ojos, boca,
etc., hicieron mella en un escultor como Miguel Ángel, contemporáneo al descubrimiento de la
pieza. El Laoconte se descubrió en Roma a principios del S. XVI
Desde el punto de vista iconográfico, esta obra escribe un pasaje de la Eneida de Virgilio, cuando
Laoconte, sacerdote de Apolo, se opone a la entrada de un caballo griego en la toma de Troya.
Es entonces cuando él y sus hijos son atacados por enormes serpientes.
características:
- Antropocentrismo.
Se corresponde con la etapa helenística (S. III-I a.C.), perteneciendo a la escuela de Rodas.
Fechada en el año 50 d. C. Los rasgos generales que se aprecian dentro de este periodo son los
siguientes: Mayor realismo y expresividad (pérdida del idealismo) ruptura del canon. Variación
temática: nuevos temas forman parte de la escultura (el desnudo femenino, el exotismo, la
infancia, la violencia, lo cotidiano, lo intrascendente, la sensualidad, la artificiosidad, el
movimiento exagerado, la fealdad, lo negativo). Obras más importantes: Galo moribundo, Venus
de Milo, Laoconte y sus hijos, La Victoria de Samotracia y los Relieves del altar de Pérgamo.

Este grupo escultórico se atribuye a tres artistas pertenecientes a la misma familia, Agesandros,
Polydoros y Athenodoros, aunque probablemente se trata de una copia de una pieza anterior. El
Laoconte se descubrió en Roma a principios del S. XVI

Como se ha dicho anteriormente se trata del Laoconte.


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LA VENUS DE CNIDO

Nos encontramos ante una obra de temática mitológica. Se trata de un conjunto escultórico
elaborado en bulto redondo (se aplica a la escultura que puede contemplarse desde cualquier
punto de vista a su alrededor. Es sinónimo de exenta). En actitud sedente, en ligero escorzo, se
trata de la forma denominada curva praxitélica. Está elaborada con mármol.
idealista reforzado por la tendencia al hieratismo. En esta obra, al corresponderse con la etapa
posclásica, se aprecia un cambio con respecto a la etapa clásica (búsqueda de la belleza y
perfección siempre de manera ordenada y dentro de una nomas o cánones, tratándose de una
belleza fría e inexpresiva); en la etapa posclásica se busca la belleza y la perfección a través de lo
diverso y expresivo en lugar de lo impersonal. Presenta una tendencia al naturalismo, como
puede observarse en el tratamiento de los detalles.
Su composición, utilizando la curva praxiteliana, poco exagerada, incita a la sensualidad,
imponiendo un ritmo suave y delicado a la composición.
Como en el resto de sus obras, mantiene un brazo levantado. La tersura se realza por las
curvilíneas y suaves (mórbidas) formas, grácilmente femeninas del cuerpo. Formas que se
"mueven" con un perfil sinuoso o en ángulo, que nunca corta la silueta frontal de la estatua.
Caben destacar otras características tales como: Estilización y refinamiento de la figura, ruptura
con la simetría clásica, alargamiento del canon, humanización de los gestos. La vestidura y el
ánfora, pese a la impresión opuesta sugerida, cumplen la función de fuerte soporte estructural,
de manera que así el cuerpo puede "rotar" ligera y levemente hacia adelante y hacia la
izquierda, casi en un gesto de, instintivo aunque despreocupado, pudor.

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Desde el punto de vista iconográfico esta escultura representa a la diosa griega del amor
(principalmente en su acepción del amor erótico), la belleza y la fertilidad femenina de Afrodita,
prestándose a realizar, o tras haberlo efectuado, un baño ritual.
características:
- Antropocentrismo.
El autor es Praxíteles. De la vida de Praxíteles, autor de esta obra, poco se sabe. Nace en Atenas
hacia el año 400 a.C. Sus obras están realizadas en bronce y sobre todo en mármol.
Una de sus obras más conocidas es la que se representa en la imagen, Hermes con el niño
Dionysos, siendo una de las escasas obras de la antigüedad helenística, original, que ha llegado
hasta nosotros. Aunque hay historiadores del arte que dudan de su autoría. Sin embargo la
utilización de la famosa “curva praxiteliana”, contraposto, parece que deje pocas dudas sobre la
misma.
Como se ha dicho anteriormente, se trata de La Venus de Cnido.

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LA VICTORIA DE SAMOTRACIA

Nos encontramos ante una obra de temática mitológica. Se trata de una obra en bulto redondo
(se aplica a la escultura que puede contemplarse desde cualquier punto de vista a su alrededor.
Es sinónimo de exenta). En actitud de pie. Está elaborada con mármol.
La obra pierde todo estatismo por medio de su postura, adelantando una pierna a la otra y
disponiendo sus alas hacia atrás. Lo cual en última instancia, unido al juego violento de los
ropajes, retuerce el eje de la composición. La composición es abierta, las líneas eje de la obra
son las diagonales y curvas, que producen desequilibrio. De frente, la figura se retuerce y se
abre en las dos largas curvas de las alas. Vista lateralmente, se observa una gran línea diagonal
que enlazaría desde la pierna hasta la perdida cabeza. El dinamismo de la composición se
completa con las múltiples y delicadas curvas del vestido. El movimiento impetuoso de la niké se
expresa en los paños que se agitan y vuelan y en las alas desplegadas hacia los lados y atrás. El
escultor ha querido captar el instante en que se posa.
El modelado de las formas está conseguido con gran expresividad. El artista ha sabido expresar a
la perfección los efectos del azote del viento sobre el cuerpo de la diosa, con un estudio
anatómico de gran habilidad técnica. Delinea con pericia los senos, el vientre y las diferencias
de grosor de las piernas. El ligero ropaje, de "paños mojados" adheridos al cuerpo, vela las
formas y las cargas de sensualidad y misterio, volviendo más hermoso el cuerpo de la Niké. El
juego de la luz se acentúa en los plegados, creando violentos contrastes de luz y sombra. La
factura de la obra es refinada, virtuosa, bien trabajadas las diferentes texturas (telas, plumaje de
las alas, etc).
Desde el punto de vista iconográfico, cabe decir que se trata de una Niké o Victoria,
representada como una mujer con alas que acaba de posarse con brío sobre la proa de un navío.

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Aún mantiene las alas desplegadas y sus ropas se arremolinan por el viento marino. La estatua
ha perdido la cabeza y los brazos. Viste un fino jitón transparente atado con un nudo bajo el
pecho, que presiona la tela. Los infinitos pliegues del ligero vestido fluyen alrededor del cuerpo,
se pegan al pecho y vientre, insinúan y realzan las bellas formas redondeadas. Descansa el peso
sobre la pierna derecha mientras la izquierda va hacia atrás, en una suave y larga ondulación.
características:
- Antropocentrismo.

La autoría de esta obra se atribuye a Pithócritos, escultor poco conocido de la Escuela de Rodas,
una de las principales de la etapa helenística (siglos III-II-I a.C). A ella se deben obras tan famosas
como el Coloso de Rodas, una de las siete maravillas de la Antigüedad, y los grupos del
Laocoonte y sus hijos y El toro Farnesio.

Como se ha dicho anteriormente, se trata de La Victoria de Samotracia.

3- CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL: (igual que en las anteriores)

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LOS RELIEVES DEL ALTAR DE PÉRGAMO

Nos encontramos ante una obra de temática mitológica. Se trata de una obra elaborada en
relieve (alto relieve). Alto relieve: relieve que sobresale más de la mitad del bulto, y bajorrelieve:
relieve que sobresale menos de la mitad del bulto. Actitud, de pie.
Está elaborada en mármol. Las primeras esculturas griegas se realizaron en madera (tronco de
los árboles); ya en la etapa arcaica, a la que pertenece esta obra, se empieza a utilizar la piedra,
primero caliza y después mármol, utilizándose también materiales denominados
crisolelefantinos (marfil, oro, plata…).
Este friso se caracteriza por la exquisita armonía de las figuras, sus composiciones equilibradas,
el tratamiento de los cuerpos de cánones proporcionados y delicada anatomía, las formas
elegantes, y un rigor extremo en el tratamiento psicológico de los personajes que se aleja de la
inexpresividad, para intensificar el más sutil equilibrio espiritual. El friso interior, de 79 m. de
largo y 1,75 m. de alto, está consagrado al héroe Télefo y convive con naturalezas muertas y
otros tipos de temática diferenciándose del anterior porque el fondo no es neutro, sino que es
un paisaje con árboles, rocas, animales, arquitecturas, mostrando el sentido de la especialidad y
el ilusionismo compositivo a la vez que se muestran relaciones muy estrechas con la pintura
contemporánea.
requiere diferentes puntos de vista para ser contemplado. Al tratarse de relieve la perspectiva se
alcanza combinando el alto, medio y bajo relieve. Aunque en este caso predomine el bajo
relieve, hay partes del friso en los que el artista capta la profundidad al aumentar el volumen de
las figuras.
El altar destaca por sus relieves, el friso externo, de 120 m. de largo y 2,30 m. de alto, Sobre un
fondo neutro se organiza una iconografía en alto relieve con abundancia helenístico,
tratamiento de los paños y desnudo, sensación de movimiento y palpitación de los cuerpos,
cabelleras a modo de líneas serpenteantes, trabajadas gracias al trépano, potenciando de este

31


modo el claroscuro y los contrastes lumínicos…consiguiendo el triunfo del patetismo. Las figuras
presentan sus atuendos mojados que se pegan a los cuerpos; incluso puede verse a Nereo con
escamas en la cabeza y con aletas. Los músculos y los tendones se tensan, los pliegues de las
telas y los cabellos se agitan destacando aun más las formas de la anatomía, se marcan las
facciones del rostro de los gigantes, las extremidades se dislocan en forzados contrapostos. Toda
sensación de tranquilidad se ha suprimido, es la representación del Caos, en el que sólo los
dioses olímpicos serán capaces de imponer el orden, sólo sus rostros mantienen la calma
recordando los modelos clásicos.
Desde el punto de vista iconográfico, el gran friso que rodea el podium describe la mítica batalla
de la Gigantomaquia. En esta narración se ve representado el triunfo de Zeus y de Atenea frente
a sus enemigos los gigantes.
En la parte oriental puede verse a Artemisa, la diosa de la caza pisando el cuerpo de un gigante
muerto al mismo tiempo que su perro muerde mortalmente en la nuca a otro gigante que se
resiste y lucha contra el canino vaciándole con su garra un ojo. Otra escena representa a Zeus
acompañado por un águila, luchando contra tres gigantes.
características:
- Antropocentrismo.

Su título, como se ha dicho anteriormente, es: Relieves del Altar de Pérgamo.


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